retrato de George Dyer en un espejo (Francis Bacon)

Óleo sobre lienzo. Medidas: 198 x 147 cm.
Úbicacion: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

En este doble retrato, George Dyer, el amante de Bacon durante años, está sentado en una silla giratoria frente a un espejo colocado sobre un extraño mueble con peana. La violencia y brutalidad de la imagen, con el cuerpo distorsionado y la cara retorcida por un espasmo, está agudizada por un halo de luz circular que proviene de un foco situado fuera del cuadro. En contraposición, la cara reflejada en el espejo, escindida en dos por una franja de espacio luminoso, no sufre las mismas distorsiones. Si pudiéramos unir las dos mitades, tendríamos un retrato bastante naturalista del modelo, con su perfil anguloso de nariz ganchuda y una expresión que combina deseo y muerte. Bacon, en la estela de los retratos dislocados de Picasso de los años centrales del siglo pasado, logra traducir los aspectos más sórdidos del ser humano.

Información obtenida de www.museothyssen.org

Información del pintor:

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.

Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, del vecino Museo Condé. Este cuadro le inspiraría múltiples obras.

Información obtenida de wikipedia.

Opinión personal:

En este cuadro lo que me llamó la atención fue que se ve que es un hombre aunque esté extremadamente deforme y que en el espejo se le refleja el rostro de manera muy distinta a como es en realidad.

composicion nº1 (Jackson Pollock)

Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956)
Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m.
Estilo: Espresionismo abstracto
Cronología: 1950
Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York.
Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar.
Para la elaboración de esta pintura, remarcablemente tranparente a pesar de las muchas capas de color. Pollock marca las líneas con un ritmo determinado que controla dejando caer la pintura encima de la tela, colocada directamente sobre el suelo, mediante una lata agujereada o unos pinceles rebosantes de pintura. Es la técnica del «dripping» (gotas y salpicaduras de color), que deja un amplio margen a la casualidad.
La Pintura de Pollock deliberadamente improvisadora, está basada en una expresión irracional y primitiva, de carácter mágico y simbólico, de raices psicoanalíticas, que observa al artista en los ritos de los aborígenes americanos. Otros artistas se inspiran en otras teorías, como Mark Tobey en las enseñanzas del zen oriental. Este arte informal, el expresionismo abstracto, que como corriente estética es la negación de presupuestos figurativos anteriores, manifiesta una gran tensión y un dramatismo destinado a influir decisivamente en la pintura contemporánea americana y europea de entreguerras. Dentro de esta corriente, Pollock, es el creador del Actio Painting, producto de un automatismo violento y gestual, la pintura en acción, donde el hecho mismo de pintar es tanto o más importante que la obra que se realiza. Esta pintura es la expresión de una época marcada por profundos cambios sociales y políticos, por guerras lejanas, como las de Indochina y Corea, y por la experimentación atómica.
Durante la Sejunda Guerra Mundial el centro cultural artístico y comercial se desplaza desde Paris y Berlín a Nueva York, una ciudad cosmopolita, abierta a todas las influencias, que acoge a numerosos artistas vanguardistas exiliados del viejo continente. Las tendencias contrapuestas que imperan en Europa en esos años eran la abstracción geométrica y el superrealismo: será en Estados Unidos donde los pintores romperán esa polarización y crearán una pintura totalmente nueva a partir de la fusión de ambos movimientos.

Información obtenida de www.xtec.es

Información sobre el pintor:

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Información obtenida de wikipedia

Opinión personal: He elegido este cuadro porque es de tamaño muy grande y todo está detallado y a la vez no, porque se podría definir el cuadro como un paisaje poco detallado.En este cuadro no existe en realidad, ningún tema y normalmente no suele llamar la atención del espectador.

the swimmer in the econo-mist (parte 3) (James Rosenquist)

No hay mucha información sobre este cuadro, ésto es todo lo que he encontrado:

El objetivo de Rosenquist en este cuadro es dar la impresión de dinamismo, de movimiento.El cuadro refleja una gran intensidad de color y tamaño que hace que impacte a todo aquel que lo ve y le llegue emocionalmente.La obra fue realizada en óleo sobre lienzo en 1997-1998.Actualmente se encuentra en el Guggenheim Museum de Nueva York.

Información del pintor:

James Rosenquist (Grand Forks, Dakota del Norte, Estados Unidos, 29 de noviembre de 1933) es un artista estadounidense del Pop Art.

Estando en el primer ciclo de secundaria, Rosenquist obtuvo una beca limitada para estudiar en la Escuela de Arte de Minneápolis. Posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minnesota desde 1952 hasta 1954. En 1955 se trasladó a Nueva York con una beca para estudiar en la Liga de Estudiantes de Arte, donde estuvo hasta 1959. En ese centro recibió clases de Robert Indiana y Jack Youngerman. Allí conoció, además, a George Grosz.

Opinión personal:

He elegido este cuadro porque me llama la atención la especie de círculo que hay en el centro dela imagen que hace que el cuadro parezca que esté en 3 dimensiones(al menos el la especie de círculo.También por la desorganización que hay en el centro que contrasta con el orden que hay en el fondo.

Crucifixion noire et rouge (Antonio Saura)

Pintado en 1963, la Crucifixión noire et rouge se llena de angustia.Esta foto está llena de tormento, con un grito existencial de dolor y desesperación.El sentido de la tortura y la violencia se ve reforzada por el uso poco frecuente en una de las crucifixiones de Saura de pintura roja - una innovación que aparece en varios de sus 1963 tratamientos de la materia.El habla estriado, goteaba y salpicado de pintura roja de sangre, de heridas y hematomas, de un dolor agudo a través del cuerpo del hombre.El tema de la crucifixión es una que había sido tratado por mucho tiempo los viejos maestros, siendo una piedra de toque religioso.Saura ha tomado el tema y le ha dado una nueva moneda, sacudidas llenándolo de tormento, un agudo contraste con la dignidad del martirio describen las obras que había visto en las iglesias y museos desde su juventud.

Así, Saura ha tomado varios elementos de fondo y el cuerpo retorciéndose y combinado, la adición de su pincelada expresionista propia, con el fin de crear una imagen que transmite sus propias angustias.Por un lado, sus preocupaciones durante el período fueron históricos y políticos, como lo fue en esta época cuando comenzó su relación con antifranquista movimientos políticos.Pero también tiene que ver con una mucho más amplia, la angustia más universal y mucho más personal:

"Tal vez, en la imagen de una víctima de la crucifixión, he reflexionado mi situación como un hombre solo en un universo amenazador que es posible enfrentar con un grito, pero también, en la parte posterior del espejo, lo que me interesa es simplemente el tragedia de un hombre un hombre, no un clavado dios absurdamente en una cruz. Una imagen que, al igual que la ejecución víctima Goya con las manos en alto y una camisa blanca, o la madre en el Guernica de Picasso, puede seguir siendo un símbolo trágico de nuestra época "(Saura).

Información de una página que estaba en inglés que he tenido que traducir.

Información del autor:

Antonio Saura Atarés (Huesca, España, 22 de septiembre de 1930 - Cuenca, España, 22 de julio de 1998) pintor y escritor, es considerado como uno de los grandes artistas del siglo XX.

Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Debido a una tuberculosis que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943, empezó a pintar y a escribir en 1947.

Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y después en la librería Buchholz de Madrid 1952 donde presenta pinturas oníricas y surrealistas. Tras su traslado a París de 1954 a 1956, se suma en un primer tiempo al Surrealismo, movimiento del que se distancia rápidamente. Inicia trabajos experimentales en series que titula "Fenómenos" y "Grattages". En 1954, abandona la abstracción. Ese mismo año se casa con Gunhild Madeleine Augot. En 1956 realiza sus primeras pinturas en blanco y negro a partir de la estructura del cuerpo femenino.

Opinión personal:

He elegido este cuadro porque es uno de los muchos en los que Antonio Saura refleja la angustia, el dolor y la tristeza que pasó durante la Guerra Civil, ya que él creció en plena guerra.También porque en el cuadro me llamó la atención la gran cantidad de sangre que en otros cuadros de crufificaciones no hay.

Woman II (de Kooning)

Autor: Wilem de Kooning
Tipo de obra: Óleo sobre lienzo 192 x 147 cm
Estilo: Expresionismo abstracto
Cronología: 1950 -1952
Localización geográfica:
Museo de arte moderno de Nueva York.
Descripción y análisis de la obra:
Las mujeres que pinta De Kooning, son como diosas negras, ídolos contemporáneos y banales. Pintadas a contracorriente, cuando todos en América estaban en la abstracción, el artista se propone acabar con los tópicos tradicionales sobre el arte y la belleza. Sobre este cuadro, el mismo escribió “ Woman hizo algo en mí: eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz –toda esa charla absurda sobre la línea, el color y la forma”...

A medio camino entre la abstracción y la figuración, la mujer de De Kooning es fuertemente expresiva y amenazadora, descoyuntada en mil trozos y mil colores por los pinceles – por las brochas- del artista, parece un cruce entre las Venus primitivas, cruzadas con carteles publicitarios y pintadas callejeras obscenas. Humana y femenina a duras penas, la figura parece sin embargo uno de esos cuerpos aplastados contra el lienzo como si una apisonadora hubiera pasado sobre ellos.
El cuadro está pintado de una manera extremadamente gestual y abstracta.

Información obtenida de www.xtec.es

Información sobre el pintor(obtenida en Wikipedia):

Willem de Kooning (Rotterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

Opinión personal:

He escogido este cuadro porque me llama la atención lo poco definidos que están los objetos y el rostro de la mujer, ya que al leer el título y ver su cara, creí que no era el verdadero título porque no parece ser el de una mujer.