retrato de George Dyer en un espejo (Francis Bacon)

Óleo sobre lienzo. Medidas: 198 x 147 cm.
Úbicacion: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

En este doble retrato, George Dyer, el amante de Bacon durante años, está sentado en una silla giratoria frente a un espejo colocado sobre un extraño mueble con peana. La violencia y brutalidad de la imagen, con el cuerpo distorsionado y la cara retorcida por un espasmo, está agudizada por un halo de luz circular que proviene de un foco situado fuera del cuadro. En contraposición, la cara reflejada en el espejo, escindida en dos por una franja de espacio luminoso, no sufre las mismas distorsiones. Si pudiéramos unir las dos mitades, tendríamos un retrato bastante naturalista del modelo, con su perfil anguloso de nariz ganchuda y una expresión que combina deseo y muerte. Bacon, en la estela de los retratos dislocados de Picasso de los años centrales del siglo pasado, logra traducir los aspectos más sórdidos del ser humano.

Información obtenida de www.museothyssen.org

Información del pintor:

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.

Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, del vecino Museo Condé. Este cuadro le inspiraría múltiples obras.

Información obtenida de wikipedia.

Opinión personal:

En este cuadro lo que me llamó la atención fue que se ve que es un hombre aunque esté extremadamente deforme y que en el espejo se le refleja el rostro de manera muy distinta a como es en realidad.

composicion nº1 (Jackson Pollock)

Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956)
Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m.
Estilo: Espresionismo abstracto
Cronología: 1950
Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York.
Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar.
Para la elaboración de esta pintura, remarcablemente tranparente a pesar de las muchas capas de color. Pollock marca las líneas con un ritmo determinado que controla dejando caer la pintura encima de la tela, colocada directamente sobre el suelo, mediante una lata agujereada o unos pinceles rebosantes de pintura. Es la técnica del «dripping» (gotas y salpicaduras de color), que deja un amplio margen a la casualidad.
La Pintura de Pollock deliberadamente improvisadora, está basada en una expresión irracional y primitiva, de carácter mágico y simbólico, de raices psicoanalíticas, que observa al artista en los ritos de los aborígenes americanos. Otros artistas se inspiran en otras teorías, como Mark Tobey en las enseñanzas del zen oriental. Este arte informal, el expresionismo abstracto, que como corriente estética es la negación de presupuestos figurativos anteriores, manifiesta una gran tensión y un dramatismo destinado a influir decisivamente en la pintura contemporánea americana y europea de entreguerras. Dentro de esta corriente, Pollock, es el creador del Actio Painting, producto de un automatismo violento y gestual, la pintura en acción, donde el hecho mismo de pintar es tanto o más importante que la obra que se realiza. Esta pintura es la expresión de una época marcada por profundos cambios sociales y políticos, por guerras lejanas, como las de Indochina y Corea, y por la experimentación atómica.
Durante la Sejunda Guerra Mundial el centro cultural artístico y comercial se desplaza desde Paris y Berlín a Nueva York, una ciudad cosmopolita, abierta a todas las influencias, que acoge a numerosos artistas vanguardistas exiliados del viejo continente. Las tendencias contrapuestas que imperan en Europa en esos años eran la abstracción geométrica y el superrealismo: será en Estados Unidos donde los pintores romperán esa polarización y crearán una pintura totalmente nueva a partir de la fusión de ambos movimientos.

Información obtenida de www.xtec.es

Información sobre el pintor:

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Información obtenida de wikipedia

Opinión personal: He elegido este cuadro porque es de tamaño muy grande y todo está detallado y a la vez no, porque se podría definir el cuadro como un paisaje poco detallado.En este cuadro no existe en realidad, ningún tema y normalmente no suele llamar la atención del espectador.

the swimmer in the econo-mist (parte 3) (James Rosenquist)

No hay mucha información sobre este cuadro, ésto es todo lo que he encontrado:

El objetivo de Rosenquist en este cuadro es dar la impresión de dinamismo, de movimiento.El cuadro refleja una gran intensidad de color y tamaño que hace que impacte a todo aquel que lo ve y le llegue emocionalmente.La obra fue realizada en óleo sobre lienzo en 1997-1998.Actualmente se encuentra en el Guggenheim Museum de Nueva York.

Información del pintor:

James Rosenquist (Grand Forks, Dakota del Norte, Estados Unidos, 29 de noviembre de 1933) es un artista estadounidense del Pop Art.

Estando en el primer ciclo de secundaria, Rosenquist obtuvo una beca limitada para estudiar en la Escuela de Arte de Minneápolis. Posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minnesota desde 1952 hasta 1954. En 1955 se trasladó a Nueva York con una beca para estudiar en la Liga de Estudiantes de Arte, donde estuvo hasta 1959. En ese centro recibió clases de Robert Indiana y Jack Youngerman. Allí conoció, además, a George Grosz.

Opinión personal:

He elegido este cuadro porque me llama la atención la especie de círculo que hay en el centro dela imagen que hace que el cuadro parezca que esté en 3 dimensiones(al menos el la especie de círculo.También por la desorganización que hay en el centro que contrasta con el orden que hay en el fondo.

Crucifixion noire et rouge (Antonio Saura)

Pintado en 1963, la Crucifixión noire et rouge se llena de angustia.Esta foto está llena de tormento, con un grito existencial de dolor y desesperación.El sentido de la tortura y la violencia se ve reforzada por el uso poco frecuente en una de las crucifixiones de Saura de pintura roja - una innovación que aparece en varios de sus 1963 tratamientos de la materia.El habla estriado, goteaba y salpicado de pintura roja de sangre, de heridas y hematomas, de un dolor agudo a través del cuerpo del hombre.El tema de la crucifixión es una que había sido tratado por mucho tiempo los viejos maestros, siendo una piedra de toque religioso.Saura ha tomado el tema y le ha dado una nueva moneda, sacudidas llenándolo de tormento, un agudo contraste con la dignidad del martirio describen las obras que había visto en las iglesias y museos desde su juventud.

Así, Saura ha tomado varios elementos de fondo y el cuerpo retorciéndose y combinado, la adición de su pincelada expresionista propia, con el fin de crear una imagen que transmite sus propias angustias.Por un lado, sus preocupaciones durante el período fueron históricos y políticos, como lo fue en esta época cuando comenzó su relación con antifranquista movimientos políticos.Pero también tiene que ver con una mucho más amplia, la angustia más universal y mucho más personal:

"Tal vez, en la imagen de una víctima de la crucifixión, he reflexionado mi situación como un hombre solo en un universo amenazador que es posible enfrentar con un grito, pero también, en la parte posterior del espejo, lo que me interesa es simplemente el tragedia de un hombre un hombre, no un clavado dios absurdamente en una cruz. Una imagen que, al igual que la ejecución víctima Goya con las manos en alto y una camisa blanca, o la madre en el Guernica de Picasso, puede seguir siendo un símbolo trágico de nuestra época "(Saura).

Información de una página que estaba en inglés que he tenido que traducir.

Información del autor:

Antonio Saura Atarés (Huesca, España, 22 de septiembre de 1930 - Cuenca, España, 22 de julio de 1998) pintor y escritor, es considerado como uno de los grandes artistas del siglo XX.

Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Debido a una tuberculosis que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943, empezó a pintar y a escribir en 1947.

Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y después en la librería Buchholz de Madrid 1952 donde presenta pinturas oníricas y surrealistas. Tras su traslado a París de 1954 a 1956, se suma en un primer tiempo al Surrealismo, movimiento del que se distancia rápidamente. Inicia trabajos experimentales en series que titula "Fenómenos" y "Grattages". En 1954, abandona la abstracción. Ese mismo año se casa con Gunhild Madeleine Augot. En 1956 realiza sus primeras pinturas en blanco y negro a partir de la estructura del cuerpo femenino.

Opinión personal:

He elegido este cuadro porque es uno de los muchos en los que Antonio Saura refleja la angustia, el dolor y la tristeza que pasó durante la Guerra Civil, ya que él creció en plena guerra.También porque en el cuadro me llamó la atención la gran cantidad de sangre que en otros cuadros de crufificaciones no hay.

Woman II (de Kooning)

Autor: Wilem de Kooning
Tipo de obra: Óleo sobre lienzo 192 x 147 cm
Estilo: Expresionismo abstracto
Cronología: 1950 -1952
Localización geográfica:
Museo de arte moderno de Nueva York.
Descripción y análisis de la obra:
Las mujeres que pinta De Kooning, son como diosas negras, ídolos contemporáneos y banales. Pintadas a contracorriente, cuando todos en América estaban en la abstracción, el artista se propone acabar con los tópicos tradicionales sobre el arte y la belleza. Sobre este cuadro, el mismo escribió “ Woman hizo algo en mí: eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz –toda esa charla absurda sobre la línea, el color y la forma”...

A medio camino entre la abstracción y la figuración, la mujer de De Kooning es fuertemente expresiva y amenazadora, descoyuntada en mil trozos y mil colores por los pinceles – por las brochas- del artista, parece un cruce entre las Venus primitivas, cruzadas con carteles publicitarios y pintadas callejeras obscenas. Humana y femenina a duras penas, la figura parece sin embargo uno de esos cuerpos aplastados contra el lienzo como si una apisonadora hubiera pasado sobre ellos.
El cuadro está pintado de una manera extremadamente gestual y abstracta.

Información obtenida de www.xtec.es

Información sobre el pintor(obtenida en Wikipedia):

Willem de Kooning (Rotterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

Opinión personal:

He escogido este cuadro porque me llama la atención lo poco definidos que están los objetos y el rostro de la mujer, ya que al leer el título y ver su cara, creí que no era el verdadero título porque no parece ser el de una mujer.

Retrato de Jeanne Hébuterne (Amadeo Modigliani)

Hay poca información sobre este cuadro, ya que Modigliani hacía en la mayoría de su pinturas retratos de mujeres.

Ésta es la que he encontrado:



El año en el que el cuadro se realizó fué el 1918 (dos años antes de la muerte del pintor).El cuadro fué realizado en óleo sobre lienzo y mide 100 x 65 centímetros.

Esta información no sé de donde la saqué.

Información del pintor:Amadeo Mogliani nació en Livorno (Italia) el 12 de julio de 1884 y murió en París el 24 de enero de 1920 (con 36 años).Fue pintor y escultor perteneciente a la Escuela de París.

Migliani es el arquetipo del artista bohemio:una vida marcada por una mezcla de drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad.

Artísticamente, es uno de los más grandes pintores europeos de todos los tiempos y, sin duda,auténtico exponente de la verdadera inspiración como fuente creativa, evidencia que aguarda a los verdaderos pintores de enraizada vocación.

Información obtenida de Wikipedia.



Opinión personal:Me llamó la atención, no sólo en este cuadro sino también en otros que he visto, el cuello, porque lo dibuja alargado.En éste cuadro el fondo y los pequeños detalles se ven con poca claridad pero en la mujer no tanto.

Composición (Piet Mondrian)

Piet Mondrian le daba un significado a todo lo que pintaba, como en éste cuadro:

-Retícula Cósmica(situado en la parte derecha de la imagen en la recta que parte el cuadro blanco en dos):El arte de Mondrian está ligado a la filosofía, ya que él buscaba en sus composiciones la retícula cósmica, que la conseguía mediante la unión del blanco y de las líneas negras.

-Línea:la línea recta era para él la que mejor representaba el arte, ya que se desvinculaba de la figuración para hacer abstracción geométrica.El arte, según él, era como la indagación de la realidad, no una plasmación de la misma.

-Colores primario:al igual que la línea, los colores primarios eran lo básico.Rehuía de textura y sensaciones, por eso siempre los utilizaba.

-Simplicidad:aparentemente, sus composiciones son simples, pero son el resultado de muchos años de experimentación y de un profundo análisis filosófico de la vida y el arte.

Información obtenida de arte.observatorio.info

Información sobre el pintor:Piet Mondrian es un pintor holandés que nació el 7 de marzo de 1872 en Amersfoort y murió el 1 de febrero de 1944 (72 años) en Nueva York.Fue un pintor vanguardista, miembro de De Stijl y fundador del Neoplasticismo junto a Theo van Doesburg.

Información obtenida de Wikipedia.

Opinión personal:He elegido este cuadro porque antes de hacer la entrada leí sobre él y me pareció interesante que un cuadro que a simple vista parece simple tenga significados.Todo lo que se ve en la imagen lo hizo por algún motivo no así por así.

Venus dormida (Paul Delvaux)

En este cuadro encontramos a Venus totalmente tumbada sobre un butacón, aparentemente dormida.Se encuentra con una pierna suelta fuera del butacón, que hace alusión a la comodida, la paz y la tranquilidad que tiene la protagonista del cuadro.Venus no está tapándose nada sino que se encuentra con los brazos estirados detrás de su pelo color claro.

En el escenario se ve a lo lejos un templo que está decorado con relieves y a su lado izquierdo hay unas columnas estriadas que rodean yn edificio.El esqueleto representa a la muerte ya que Veus está dormida porque es de noche y se encuentra entre dos realidades: el sueño y la muerte.La mujer de la izquierda parece estar hablando con el esqueleto.

Información de sogradargos.blogspot.com

Información sobre el autor: Paul Delvaux era un pintor belga, nació el 23 de septiembre de 1897 y murió el 20 de julio de 1994 (con 97 años).Fue un pintor expresionista y neoimpresionista en sus comienzos, se orientó posteriormente, influenciado por René Magritte y E.L.T. Mesens, hacia un surrealismo clásico: su pintura se caracteriza por desnudos femeninos en ambientes orínicos y desdibujados cargados de un erotismo latente y figuras idealizadas

Información sacada de Wikipedia.

Opinión personal:He elegido este cuadro porque me llamó la atención la mujer que aparece a la izquierda del cuadro, ya que es la única que aparece vestida y habla con el esqueleto que representa a la muerte.Pienso que está tratando de convencer a la muerte para que deje vivir a Venus.

La Madonna de Port Lligat (Salvador Dalí)

Es un cuadro realizado en 1950.Está hecho en óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 194 x 96 cm.Se encuentra en Tokio en la Colección Grupo Minami.

En el cuadro aparece una virgen con el rostro de Gala, la mujer del pintor, con el niño Jesús en su regazo. La Madonna tiene una abertura rectangular en su tronco y delante de éste está el niño Jesús, el cual también tiene una abertura en su tórax.Dalí describe esto como "un tabernáculo en el cuerpo de Jesús que contiene el pan sagrado".

Los dos personajes están por encima de un pedestal y bajo un arco.El pintor ya había dibujado algunas de las figuras otras veces.

Información recogida de Wikipedia

Información sobre el pintor: Salvador Dalí es un pintor español, nació el 11 de mayo de 1904 y murió el 23 de enero de 1989.Es considerado uno de ls máximos representantes del surrealismo.Su nombre completo era Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech. Era extremadamente imaginativo.Tuvo una etapa caracterizada por la realización de cuadros religiosos.

Opinión personal: Este es uno de los cuadros que más me gusta por eso lo he elegido.Me llamó la atención los objetos flotantes(la concha, el niño...) y el hueco que hay en la parte del tórax de la virgen.A primera vista se ve que se trata de un cuadro surrealista.

Varios Círculos (Kandinsky)

No hay mucha información sobre esta obra de Vasili Kandinsky pero voy a poner toda la que he encontrado.
En la obra Kandinsky muestra un decorativo cuadro con círculos de diferentes tamaños y colores.Fue pintado en 1926.Las superposiciones de colores dan origen a interesantes cromatismos veladuras llenas de matices, las esferas coloreadas parecen flotar ingrávidas sobre un fondo negro donde hay como unas burbujas de jabón de distintos tamaños y colores.
Las críticas a lo abstracto aducen que limitar la pintura al mero goce sensorial de los colores es demasiado simplificador, el hombre es más complejo y este arte no pone en juego los recursos de la inteligencia y del placer estético.

Información sacada de cossio.net

Información sobre el pintor:



Vasili Kandinsky nació en Moscú (Rusia) el 4 de diciembre de 1866 y murió en Neuilly-sur-Seine (un pueblo de París, Francia) el 13 de diciembre de 1944 con 78 años.

Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.Estudió arte en Múnich (Alemania).

En 1910 realizó su primera acuarela abstracta.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908.

Información obtenida de Wikipedia.

Opinión personal: lo elegí porque tiene el fondo con varias tonalidades del color negro, resalta en la imagen la circunferencia principal (la más grande) y porque es un ejemplo claro de abstracción.En el cuadro también se puede observar a simple vista que al unirse las circunferencias cambian de color.

Viaje de bote,un día de verano (Morisot)

No hay mucha información sobre este cuadro,esta es la que he encontrado:

Este cuadro fue pintado en 1879 (cuando Morisot tenía 37 o 38 años aproximadamente).

Mide 45 centímetros de alto por 73 centímetros de ancho y fue pintado con óleo sobre lienzo.

El cuadro describe a dos personas que van en un bote dando un paseo en un día de verano.

Información sobre la pintora:Nació el 14 de enero de 1841 en Bourges(Francia) y murió el 2 de marzo de 1895(en París y con 54 años)fue una pintora al estilo impresionista.

Nació en el seno de una familia burguesa,la familia animó a ella y a su hermana Ednar a iniciarse en el arte.Berthe Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.

A la edad de 20 años,Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la escuela de Barbizon.Éste la admitió como discípula y la introdujo en los círculoa artísticos.Se casó con el hermano de Manet (Wikipedia).

Opinión personal:se ve con mas detalles los dos personajes principales que el paisaje y en segundo plano el paisaje.El agua y granparte del cuadro están pintados como si fueran manchas de pintura.

La noche estrellada (Van Gogh)

El estilo de este cuadro es del Posimpresionismo.El cuadro muestra la vista exterior durante la noche que pasó en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence donde se recluyó hasta el final de su vida.Sin embargo, la obra fue pintada durante el día,de memoria.Data del 1889,trece meses antes del suicidio de Van Gogh.Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.


La parte central del lienzo muestra el pueblo de Saint-Rémy, bajo un cielo arremolinado, una vista hacia el norte desde la ventana de su habitación en el asilo.


Durante su estancia en el asilo rompe con el estilo impresionista desarrollando un estilo muy personal donde prevalece el amarillo,símbolo de la luz y del calor (Wikipedia).
Información del pintor:holandés nacido el 30 de marzo de 1853 y murió el 29 de julio de 1890.Es uno de los principales exponentes del posimpresionismo.Pintó 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas)y 1600 dibujos.La figura central de su vida fue su hermano menor Theo que le ayudaba continuamente en la economía.Murió después de dos días de sufrimiento por la herida mortal que le produjo el disparo.

Opinión personal:Me gustan los cuadros de Van Gohg porque son como fantasiosos y explican como se sentía por dentro por la depresión.Se puede observar alrededor de la luna la pintura con formas de manchas y mezcla de colores en el cielo entre el azul, el blanco y el amarillo.Me sorprende mucho que pudiera pintar 79 cuadros en los últimos 69 días de su muerte y que pudiera pintar 900 cuadros y 1.600 dibujos a lo largo de su vida.

En la terraza (Pierre-Auguste Renoir)

Está realizado con óleo sobre lienzo,mide 100 cm de alto por 80 cm de ancho.

Fue pintado en 1881 y se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago(Estados Unidos).

Este cuadro ejemplifica la opción estética de Renoir,que es representar siempre lo bello y nunca lo feo o dramático.

Dentro de las estaciones del año prefería representar la primavera o el verano antes que el invierno.

En esta obra aparece una joven vestida de azul oscuro y con un sombrero rojo en la cabeza.Las flores(amapolas) adornan su sombrero y su pecho.Junto a ella se encuentra su hija vestida de blanco y con un sombrero azul oscuro con flores.Detrás hay una barandilla de hierro forjado,más allá de la barandilla se ve una rica naturaleza de colores intensos:matorrales,árboles,un río... .

Este vivo cromatismo domina todo el cuadro:en la vestimenta de las personas,en el cesto de lana y en las flores de la maceta verde.(Información de Wikipedia)

Información sobre el pintor:nació el 25 de febrero de 1841 y murió el 3 de diciembre de 1919.Es uno de los más célebres pintores franceses.No es fácil clasificarlo,perteneció a la pintura impresionista pero pronto empezó a dibujar paisajes y mujeres.El pintor Rafael tuvo gran influencia en él.

Opinión personal :he elegido este cuadro porque en la imagen se aprecia en las amapolas blancas del fondo que son como manchas de pintura, dibuja con mas detalle las dos figuras principales del cuadro y como si estuviera nublado el fondo y con muchos colores vivos.

Puente en Villeneuve(Sisley)

No hay mucha información sobre este cuadro esta es toda la que he podido encontrar:
El cuadro tiene el estilo del impresionismo,es un paisaje del puente de Villeneuve-la-Garenne(Sisley siempre pintaba paisajes).El cuadro es del año 1872( cuando Sisley tenía 33 o 34 años).Mide 49,5 cm por 65,5 cm.
Es óleo sobre lienzo.
Información sobre el pintor:Alfred Sisley nació en 1839 y murió en 1899(con 60 años).Era especialista en paisajes y escenas al aire libre.Sus padres eran ingleses, por ello se fue a vivir 4 años a Londres cuando tenía 18 años.En Londres conoció a grandes obras de maestros de la pintura,lo que le influenció de una forma u otra.

Opinión personal:he elegido este cuadro porse observa que el reflejo del agua son como manchas de pintura(como se dijo en la clase sobre el impresionismo) y porque el paisaje está muy enriquecido en colores vivos.(wikipedia)

El fusilamiento de Maximiliano(Éduard Manet)

El fusilamiento de Maximiliano es un cuadro del pintor Éduard Manet que relata la ejecución del emperador mexicano Maximiliano I de México(el 19 de junio de 1867)

Historia del cuadro(Wikipedia resumido):

Manet realizó tres bosetos sobre esta escena, de las cuales éste es el mas logrado y conosido a nivel internacional.Manet quería producir con este cuadro un hondo sentimiento en la sociedad.

El mismo pintor fue impresionado por la muerte del emperador mexicano.Unos de los tres bocetos que hizo Manet fue destrozado por el mismo, el boceto estaba en extrañas circunstancias.

En este cuadro se ve a Miramón y a un soldado revisando su fusil.

Manet descuella aquí un verismo fotográfico que permite al espectador sentir impresión crítica en el cuadro,con colorido oscuro que crea un contraste habitual en su producción, predecesora, como la del aragonés, del impresionismo.

Información sobre el pintor:nació en París el 23 de enero de 1832 en una familia acomodada.

El cuadro es óleo sobre lienzo mide 252 cm por 305 cm, se encuentra en la National Gallery de Londres.

Opinión personal:este cuadro lo cogí porque es un claro ejemplo del impresionismo y porque me llama la atención los personajes que observan el fusilamiento(situados por encima del muro)..He leído que se inspiró en uno delos cuadros de Goya y ciertamente se aprecia en la imagen que es verdad que se inspiró: la posición de los que van a ser fusilados es a la izquierda del cuadro al igual que en el de Goya y la de los fusiladores es a la derecha.
(todo es escrito por mí no he copiado y pegado nada al igual que en todos los cuadros en los que he trabajado) .

El Ángelus (Millet)

He escogido este cuadro porque me gustan los detalles del horizonte que son muy reales, me llama la atención los dos campesinos rezando y se ve la vestimenta de los campesinos de la época.

La escena del cuadro representan a dos campesinos rezando el Ángelus(que representa el saludo del ángel a la Virgen María en la Anunciación).A los burgueses les llamó la atención el cuadro porque en él salían campesinos ya que siempre los pintores representaban lo bueno.

El cuadro es de 1857-1859 y trata de un óleo sobre lienzo que mide 66 centímetros de alto por 55,5 centímetros de ancho.

En el cuadro se observa la clara inclinación hacia el paisaje y la naturaleza.En un primer momento Millet había dibujado dentro de la cesta que se ve tirada en el suelo a un bebé muerto, pero esa imagen conmocionó a la gente y recibió muchas críticas,por eso se ve sólo la cesta.

La atmósfera de la escena parece neblinosa lo que genera una fusión entre los personajes y el paisaje natural.

Pintor:Millet(4 de octubre de 1814-20 de enero de 1875).Fue un pintor realista.Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros.Nació en Normandía pero de mudó a París en 1839.

Ulises burlando a Polifemo (Turner)

El cuadro fué pintado sobre tela con óleo y mide 133 centímetros de alto por 203 de ancho.Actualmente se encuentra en la National Gallery (Galería Nacional) en Londres.

Se trata de un tema de la Odisea de Homero:Ulises y sus compañeros son atrapados por un cíclope(Polifemo),que al final con ingenio consiguen burlarlo y dejarlo cegado de su único ojo.

En el cuadro se ve al barco alejándose del cíclope.Turner demuestra en en este cuadro su gran dominio sobre la luz,colores cálidos (dorados) y fríos (azules).El sol completa toda la escena.

Pintor:Turner,nació en Covent Garden,Londres(23 de abril de 1775) y murió el 19 de diciembre de 1851.Es considerado un artista romántico del paisaje inglés,cuyo estilo condujo a la fundación del impresionismo.Su talento fué reconocido muy pronto, a los 23 años.
Elegí este cuadro porque se ve con mucho detalle a los navegantes del barco, impresiona Polifemo al final del cuadro que parece una gran nube y se ve claramente el movimiento que produce el agua.

El caminante sobre el mar de nubes(Friedrich)

Escogí este cuadro porque me pareció un poco irreal y me llamó la atención.

La obra representa a un viajero al que se le ha identificado como el propio Friedrich, que está encima de una montaña observando el mar de nubes que está abajo.

Él está de espalda apoyado en un bastón y vestido de negro.

El cuadro se basa en un paisaje de la Suiza de Sajonia.

Esta obra fué pintada con óleo sobre tela.Mide 74,8 centímetros de alto por 94,8 centímetros de ancho.Se encuentra actualmente en Kunsthalle de Hamburgo(Alemania).

Es una obra del Romanticismo.El cuadro fué hecho entre 1817-1818.

Pintor: Friedrich(5 de septiembre de 1774 en Greifswald-7 de mayo de 1840 en Dresde) fue el principal representante de la pintura romántica alemana.Otra de sus obras más destacadas fue el árbol de los cuervos(1822).

Friedrich fue educado según la confesión protestante de su familia.Varios fallecimientos ocurridos a su familia a lo largo de su infancia hizo que se ocupase intensamente en el tema de la muerte.En el 1781 muere su madre (él con 7 años),en el año siguiente muere su hermana Elisabeth de viruela, en 1787 su hermano Johann Christoffer(abogado)al intentar salvar la vida al propio Friedrich que se estaba ahogando en el hielo (esto le provocó una depresión al pensar que fué por su culpa la tragedia del hermano)y, finalmente su hermana María en 1791 por tifus.

La Libertad guiando al pueblo(cuadro de Delacroix)

Este cuadro representa a la Libertad guiando al pueblo de París el 28 de julio de 1830.El rey Carlos X había suprimido el Parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa.
En el cuadro se destacan los colores azul,rojo y blanco de la bandera,también aparecen todo tipo de personas: burgueses, jóvenes, adultos, clase obrera...
La composición del cuadro es claramente piramidal y con cierto parecido a La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se pudo inspirar.
Características:
-Se nota la perspectiva
-La línea del horizonte
-Las figuras principales se marcan dentro de una pirámide
-La luz del cuadro es irreal
-El azul y el rojo de la bandera,la vestimenta del herido y la camisa del muerto resaltan.
Pintor: Eugène Delacroix (Francia 26 de abril de 1798-París 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés.

En el cuadro se autorretrata a el mismo representando a la burguesía.

Aníbal vencedor (cuadro de Goya)

Imagen del cuadro sacada de google imágenes

Información del cuadro:

Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes es un óleo de tema histórico que Francisco de Goya presentó a un concurso de pintura convocado por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero, Asturias) y existe un modelo previo, también en lienzo, en el Museo de Zaragoza.

El cuadro muestra a Aníbal erguido en actitud dinámica, girado el cuerpo hacia un ángel (o genio) que le señala el paisaje Italiano —que el espectador no puede ver—, desde un otero rocoso, y alzándose la visera del yelmo. A su lado izquierdo (derecho del espectador) hay un jinete abanderado y tras él un cielo nuboso del que baja la Victoria en su carro, con la mano en la rueda (posible alusión a la cambiante Fortuna) que porta una corona de Laurel. Parte de la caballería de Aníbal comienza a bajar hacia el valle al extremo derecho del cuadro y al fondo y en la izquierda se vislumbra una batalla. En primer término y de espaldas, contemplando y enmarcando la composición, aparece un robusto cuerpo humano con cabeza de buey, alegoría del río Po, está la figura alegórica del río Po, que vierte un recipiente de donde manan las fuentes de este río, como prescribía la representación de la Lombardía en la figuración iconológica de Cesare Ripa. Un viento hinche la bandera blanca del caballero y la capa de Aníbal.

La composición inicial pudo inspirarse en el bajorrelieve de José Arias, La construcción del puente de Alcántara en Toledo que el autor había presentado en 1766 al concurso de segunda clase de escultura convocado por la Real Academia de San Fernando, y que obtuvo el primer premio de su categoría

Los tres parrafos son de: //es.wikipedia.org/wiki/An%C3%ADbal_vencedor_contempla_por_primera_vez_Italia_desde_los_Alpes

Informacion de Goya:

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Parrafo de : //es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

opinión personal:escogí este cuadro porque me llamó la atención el hombre que está vuelto de espalda ya que no se le alumbra tanto como a Aníbal y está en una de las esquinas del cuadro (parece misterioso)